#FeliZZNavidad: Comic Christmas Exp…InoZZEntes 2020

¡Navideños saludos, zhéroes!

Seamos sinceros, en esta casa nos gusta el arte de verdad. Como bien dijo Nuria Enguita, la directora del IVAM, habría que preguntarse seriamente si el cómic es en realidad un arte. Y como nosotros no somos de preguntarnos cosas, sino de vomitar información sobre aquello que nos gusta. Lo que nos gusta es el arte, por lo que tenemos que preguntarnos seriamente si nos gustan los cómics. Es una pregunta que teníamos que hacernos tarde o temprano, eso es un hecho.

¿Significa esto que os hemos tomado el pelo con el título? Puede. No estamos seguros. Lo único que podemos asegurar es que aquí van nuestras reseñas favoritas sobre arte DE VERDAD. Así, con mayúsculas y sin paliativos. Que los comiqueros tenéis la piel finita y os lo tomáis todo muy a pecho. Creced y dejad de leer dibujicos. Amad el auténtico arte, que no cuesta tanto. Luego no queremos escuchar vuestros lloriqueos porque os quiten exposiciones de tebeos en museos. Avisados estáis…

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LA MONA LISA

 

 

 

Título original:
La Gioconda
Autor: Leonardo DaVinci
Publicación original: 1503 – 1519
Localización: Museo del Louvre, París (Francia)
Valoración: La alegría de la huerta

 

 


El Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, fue pintado por el ilustre artista renacentista Leonardo da Vinci, utilizando la técnica de pintura al óleo sobre tabla de álamo.  El problema que tuvo el pintor fue que no encontró una tabla álamo de un tamaño decente y tuvo que hacerlo en un resto que le quedaba de otras obras. Este dato con tanto fundamento histórico, resulta evidente cuando vas a Louvre buscando precisamente esta obra. El primer drama es que Louvre es como Ikea y parece que nunca podrás encontrar la salida y morirás allí de un ataque de ansiedad. Para más inri, cuando por fin encuentras el cuadro, te das cuenta de que te has dejado los prismáticos en el hotel.

A pesar de todos los inconvenientes, que encuentras para localizar este cuadro tan famoso, cuando llegas ante él, entiendes por qué recibe el nombre de Gioconda que significa alegría. La inmensa sonrisa del retrato te transmite una intensa felicidad y te crees capaz hasta de ir a buscar el cuerpo de María Magdalena, que Dan Brown, tras una exhaustiva documentación histórica, indico que estaba en este museo parisino. Otro detalle de la obra que me gustaría destacar, es el detalle con el que Da Vinci perfiló cada pelillo de las cejas. De hecho me sorprende que en aquella época las llevaran tan pobladas, ya que no tienen nada que envidiar a las de Cara Delevingne o Lilly Collins.

PD: Si la literatura del vendehúmos de Dan Brown se considera arte, no me queda más que citar a Mafalda “¡Paren el mundo que me quiero bajar!”.

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LAS PAJARITAS

 

 

Título original:
Las Pajaritas
Autor: Ramón Acín
Publicación original: 1929
Localización: Parque Miguel Servet, Huesca
Valoración: De cómo la sencillez de una pajarita deriva en capital importancia

 

 


El monumento Las Pajaritas que diseñó Ramón Acín a finales de los años 20 fue declarado Bien de Interés Cultural en 2018. No solo es una pieza integrante de nuestro Patrimonio cultural con todo lo que ello comporta, sino que también se ha convertido en uno de los monumentos más visitados y queridos de la ciudad de Huesca así como en un verdadero emblema de la ciudad; imanes, chapas, estampas o camisetas con su representación se venden en tiendas de recuerdos en asociación indisoluble a la capital altoaragonesa. Además de sus múltiples y destacadas facetas como profesor de dibujo en la Escuela de Maestros, pintor, escultor, pedagogo y anarquista, Ramón Acín -que fue fusilado el 19 de julio de 1936 por el bando nacional al inicio de la Guerra Civil- es también conocido por financiar la película de Buñuel, Las Hurdes. Tierra sin pan, con parte del dinero que le tocó en el gordo de Navidad del año 1932.

El artista oscense ideó con Las Pajaritas un monumento en forma de fuente dedicado a los niños del que emanan sus convicciones personales en torno a la importancia de la educación y valores como la libertad y la paz. Se trata de un monumento de líneas sencillas, que evoca el racionalismo de la época y se avanza al minimalismo predominante de años posteriores. Por otra parte, los estudiosos del arte lo consideran el primer monumento en el mundo con inspiración en la papiroflexia. Es interesante poder contemplar al completo el proceso conceptual de la obra, pues tanto el boceto en acuarela donde Acín donde plasmó la idea original, como la maqueta en cartulina que realizó, así como unas pajaritas de chapa de hierro recortada, pegada y doblada (de pequeñas dimensiones, 11 x 13 cm.) se conservan y exhiben en el Museo de Huesca, y la obra definitiva, de cemento y hierro y de mayores dimensiones, colocada sobre un pedestal escalonado sobre una grada, puede contemplarse desde 1929 en el Parque Miguel Servet.

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SATURNO DEVORANDO A SU HIJO

 

 


Título original:
Saturno devorando a su hijo
Autor:
Francisco de Goya
Publicación original:
1819 – 1823
Localización:
Museo del Prado, Madrid
Valoración: La horrible victoria de lo viejo

 

 


Las Pinturas Negras de Francisco de Goya nunca deberían haber visto la luz. O, al menos, esa parecía ser la intención del autor cuando las creó en las paredes de la finca de Quinta del Sordo, apartadas de los ojos ajenos y no descubiertas para el común de los mortales hasta décadas después de la muerte del artista. Este conjunto tan siniestro fue creado en la época más sombría de Goya: aquejado por la enfermedad y deprimido por la restauración absolutista que se produjo en España y que causó el abandono de las ideas ilustradas que prometían un avance en la sociedad. Esta situación tiñó a toda la colección de un pesimismo absoluto, mostrando la parte más oscura, retrógrada e supersticiosa de la condición humana.

La mitología clásica ha sido una inspiración constante en la expresión artística y, tradicionalmente, se han representado estas historias idealizadas por muy truculentas que fueran. Incluso el terrible mito de un decrépito dios devorando a su progenie fue plasmado por Rubens otorgando una dignidad que el titán no se merece y con un concepto metafórico de la acción de devorar, siendo en este caso algo más cercano a succionar la energía de su víctima. Goya, pese a que artísticamente bebió del barroco, rompe con esto y nos muestra a un engendro despedazando a bocados a una víctima que poco ha podido hacer por defenderse. Es una estampa horrible que nos niega la ilusión de que la profecía pueda cumplirse y la sangre vieja pueda ser reemplazada por la nueva de la misma forma que la esperanza que tenía el autor por el progreso se había visto truncada. Todo en la composición actúa en pos de incrementar la inquietud del observador: la postura medio agazapada de Saturno, el aspecto cavernoso del habitáculo donde se encuentra, la cabeza de Júpiter arrancada de un bocado mientras su padre continua masticándole el brazo con sus manos clavadas en su columna vertebral… Todo contribuye a causar malestar, a estar admirando un abismo insondable que no debería ser escrutado.

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EN LA GRUTA DEL REY DE LA MONTAÑA

 

 


Título original
:

I Dovregubbens hall
Autor: Edvard Grieg (para Henrik Ibsen)
Publicación original: Febrero 1876
Localización: Obra de Peer Gynt
Valoración: Contigo no, bicho

 

 

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¡Por fin puedo hablar de arte del bueno! ¡Del chachi! ¡De ese que mola mogollón, como el chiki-chiki! Creo que voy a ponerme las gafas de pasta y regodearme en una de esas obras que conoce todo Cristo, pero que muy pocos saben siquiera su nombre. Nos tenemos que remontar a la capital noruega en febrero de 1876, aquel entonces conocida como Christiania (lo de Oslo vino después), en la que se representó la obra de teatro de Henrik Ibsen: las aventuras del pícaro Peer Gynt. En esta primera representación de la obra escrita en verso hubo música incidental que ayudaba a explicar los diferentes actos y momentos de la historia, en la que destacó una de las piezas compuestas por el maestro Edvard Grieg, aquella que pertenece al momento de la huida del protagonista de la gruta del rey de la montaña. En ese momento, Peer Gynt está escapando a hurtadillas del castillo del rey de los trolls tras haber rechazado a su hija y así haberla insultado delante de todo el mundo. Si tenéis ocasión de leer la obra, hacedlo. Si no, pues disfrutad de la creación de Grieg y santas pascuas.

El problema es que todavía no tengáis ni idea de qué canción es. Por el nombre traducido al castellano o su original noruego, es fácil que os descoloque un poco. Pero si buscáis en Youtube, vuestro buscador de confianza o en otros medios de búsqueda musical, quizá lo encontréis por In the hall of the mountain king. La canción la ponen en todos los anuncios habidos y por haber, ya sea televisión o radio. La han versionado orquestas, bandas de rock, bandas de pop, tu vecina del segundo cuando se pone a gritar «pam pam pam pam pam» a grito pelado y seguramente tú también la hayas canturreado en alguna ocasión. Lo bonito es que se puede escuchar el avance de la trama y da muchísima información al receptor gracias al crescendo que utiliza como herramienta narrativa. También puede ser que me lo haya inventado todo y esté en mi casa tirado escuchando reggaeton de manera vil y cruel sin tener ni repajolera idea de la canción que estoy reseñando. Pero esta es la magia del internete, jamás sabréis la verdad. Muajajajajajajajaja.

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CATEDRAL DE SANTA MARÍA DEL FIORE

 

 

 

Título original:
Cattedrale di Santa Maria del Fiore
Autor: Arnolfo di Cambio
Publicación original: siglos XIII – XIV
Localización: Florencia (Italia)
Valoración: Sentando cátedra desde hace siglos

 

 


La famosa Catedral de Santa Maria del Fiore es uno de los símbolos más característicos de Florencia. Este sello artístico del Renacimiento fue diseñada por el arquitecto Arnolfo di Cambio. Del campanile se encargó Giotto di Bondone, de la fachada Emilio de Fabris y de la cúpula el famoso Filippo Brunelleschi. Además, las pinturas de la cúpula son de Giorgio Vasari y Federico Zuccaro y cuenta con esculturas de Nanni di Banco, Donatello y Jacopo della Quercia. Su construcción tardó varios años, considerando su fecha de dedicación en 1436. La cúpula se finalizó en 1471, la fachada se elaboró entre 1876 y 1887 y las famosas puertas de bronce en 1897 y 1903. Es de un estilo predominantemente renacentista, aunque cuenta con elementos góticos y neogóticos. Se trata de una catedral de planta de cruz latina, con una nave central muy larga y ancha y dos laterales menores.

Se trata de una joya arquitectónica de grandes dimensiones que se consagra como la principal atracción turística y artística de la ciudad que fue la cuna de una de las épocas más prolíficas en Italia y que nos otorgó las mejores esculturas, pinturas y edificios gracias a esas mentes prodigiosas. Pero sin duda, lo que más llamativo resulta es su famosa cúpula. Brunelleschi la ideó utilizando dos casquetes, los cuales se asientan sobre un tambor octogonal. La composición del duomo florentino refleja un avance en la arquitectura y unos grandes conocimientos matemáticos. Cada piedra que la conforma es una muestra del arte que alberga, igual que todas aquellas piezas que se pueden hallar en su interior. Desde luego, esto es arte en mayúsculas, no esos dibujitos en viñetas que soléis leer en nuestra web. Brunelleschi se estaría revolviendo en su tumba si ve que ahora las perspectivas se usan para viñetas. Leonardo, Donatello, Michelangelo y Rafael pondrían demandas a los creadores de las Tortugas Ninja por derechos de imagen. ¿Tortugas mutantes que son ninjas y que comen pizza? ¿Acaso hemos perdido la cabeza?

Seguro que estáis de acuerdo en que esta vez sí que hemos reseñado arte verdadero y no esas viñeticas llenas de dibujos y bocadillos, que nos transportan a historias de cualquier tipo y nos encantan. Pero porque todos tenemos un placer culpable. Como escuchar a todo trapo Manowar mientras conduces por la costa alicantina en pleno julio. No estamos orgullosos de ello, pero es lo que hay.

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¡Nos vemos en la Zona!

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